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Laszló Moholy-Nagy, Untitled, 1936-1946, Fujicolor Crystal Archive print, 27,9 x 35,6 cm, Courtesy of Andrea Rosen Gallery, New York, © Hattula Moholy-Nagy for the Estate of László Moholy-Nagy, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009. 

Laszló Moholy-Nagy, Untitled, 1939, Fujicolor Crystal Archive print, 27,9 x 35,6 cm, Courtesy of Andrea Rosen Gallery, New York, © Hattula Moholy-Nagy for the Estate of László Moholy-Nagy, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Laszló Moholy-Nagy, Untitled, 1937-1946, Fujicolor Crystal Archive print, 27,9 x 35,6 cm, Courtesy of Andrea Rosen Gallery, New York, © Hattula Moholy-Nagy for the Estate of László Moholy-Nagy, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Laszló Moholy-Nagy, Space CH 4, 1938, Oil on canvas, 68,5 x 89 cm, Courtesy of Hattula Moholy-Nagy, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Laszló Moholy-Nagy, Composition A 19, 1927, Oil on canvas, 80 x 96 cm, Private Collection, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Laszló Moholy-Nagy, CH Space 6, 1941, Oil on canvas, 119 x 119 cm, Courtesy of Hattula Moholy-Nagy, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Laszló Moholy-Nagy, Photogram No. II, Enlargement, Before 1929, Vintage Print, 95,5 x 68,5 cm, Courtesy of Galerie Berinson, Berlin, Photo: Friedhelm Hoffmann, Berlin.

Schirn Kunsthalle
Römerberg
(+49-69) 29 98 82-0
Frankfurt
László Moholy-Nagy Retrospective
October 8, 2009-February 7, 2010

Hungarian artist László Moholy-Nagy (1895–1946) became known in Germany through his formative work as a teacher at the Staatliches Bauhaus in Weimar and Dessau from 1923 to 1928. His pioneering theories on art as a testing ground for new forms of expression and their application to all areas of modern life are still influential today. Comprising roughly 170 works — paintings, photographs and photograms, sculptures and films, as well as stage set designs and typographical projects – the retrospective encompasses all phases of his oeuvre. On the occasion of the ninetieth anniversary of the foundation of the Bauhaus, it will thus offer a survey of the wide range of Moholy-Nagy’s creative output to the public for the first time since the last major exhibition of his work in Kassel in 1991. One highlight of the exhibition will be the realization of his hitherto unexecuted design The Room of Our Time, which brings together all of the artist’s theories.

The exhibition is sponsored by the Hessische Kulturstiftung. Additional support has been granted by the Fazit Stiftung.

No other teacher at the Bauhaus in Weimar and Dessau, nor nearly any other artist of the 1920s in Germany, an epoch so rich in utopian designs, developed such a wide range of ideas and activities as Moholy-Nagy. His work bears evidence to the fact that he considered painting and film, photography and sculpture, stage set design, drawing, and the photogram to be of equal importance. Whether in his early work at the Bauhaus or in his late work in the USA, he continually fell back upon these means of expression. Using them alternately, he varied them and took them up again as parts of a universal concept whose pivot is to be seen in the alert, curious, and unrestrained experimental mind of the “multimedia” artist himself. Long before the word “media designer” was invented and people began to talk about professional “marketing,” Moholy-Nagy worked in these fields, too — as a guiding intellectual force concerned with new technical facilities, design and educational instruments. “All design areas of life are closely interlinked,” he wrote about 1925. Despite his motto expressing “the unity of art and technology,” Moholy-Nagy was no uncritical admirer of the machine age, but rather a humanist who was open-minded about technology. His fundamental attitude as an artist may be summed up as aimed at improving the quality of life, avoiding specialization, and employing science and technology for the enrichment and heightening of human experience.

Moholy-Nagy’s aesthetically and conceptually radical approach already becomes apparent in the classical arts, in painting and sculpture. His Telephone Pictures, dictated to somebody by telephone, exemplify this dimension: using special graph paper and color chart, he worked out the composition and colors of the pictures to be executed according to telephonic instructions by employees of a sign factory. He also pursued new paths with his famous Light-Space Modulator of 1930, describing his gesamtkunstwerk composed of color, light, and movement as an “apparatus for the demonstration of the effects of light and movement.” It was equally new territory he conquered in the fields of photography and film: with his cameraless photography, his photograms, and his abstract films such as Light Play Black, White, Gray from 1930, Moholy-Nagy is still regarded as one of the most important 20th-century photographers. Presenting his The Room of Our Time, the Schirn offers a concise abstract of the artist’s work. The sketches for this environment, which assembles all his theories, date back as far as 1930 and will be realized in the Schirn on the occasion of the Bauhaus anniversary in 2009. This theory and presentation space will confront the visitor with Moholy-Nagy’s innovations in the new media, in exhibition design, and in light projection in a condensed form.

The exhibition is curated by Dr. Ingrid Pfeiffer (Schirn).

Laszló Moholy-Nagy, Lis, 1922, Oil on canvas, 131 x 100 cm, Courtesy of Kunsthaus Zürich, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Laszló Moholy-Nagy, Blick aus dem Atelierfenster (Positive), ca.1928, Vintage Print, 24 x 18,2 cm, Courtesy of Galerie Berinson, Berlin, Photo: Friedhelm Hoffmann, Berlin, © VG Bild-Kunst, Bonn.

Laszló Moholy-Nagy, Blick aus dem Atelierfenster (Negative), ca.1928, Vintage Print, 23,8 x 17,8 cm, Courtesy of Galerie Berinson, Berlin, Photo: Friedhelm Hoffmann, Berlin, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009 

Lucia Moholy, Laszló Moholy-Nagy in Coveralls, Dessau, 1926, Bauhaus-Archive, Berlin/ © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Laszló Moholy-Nagy, Telephone Picture EM 1, 1922, Porcelain enamel on steel, 94 x 60 cm, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009, Courtesy of Collection Victor and Marianne Langen, Photo: Sasa Fuis Photography, Cologne.

Laszló Moholy, Stage Design for the Tales of Hoffman, 1929, 12 x 20 cm, Courtesy of Private Collection, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009. 

Armin Boehm (*1972), Ohne Titel (Zhwar Kili), 2007, Ol auf Leinwand, 195 x 250 cm, Eigentum Städelscher Museums-Verein e.V., © Armin Boehm, Erworben aus Mitteln des Städelkomitee 21. Jahrhundert.

Georg Herold (*1947), Schal ohne Arafat, 1990, Kaviar und Acryl auf Leinwand, 102 x 80 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Lucio Fontana (1899-1968), Concetto Spaziale – Attese (Räumliches Konzept – Erwartungen), 1958-66, Öl auf Leinwand, vierfach aufgeschnitten, rükseitig verklebt, 92 x 73 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © Lucio Fontana by SIAE / VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Pablo Picasso (1881-1973), Femme accroupi (Kauernde Frau), 1960, Ol auf Leinwand, 144,5 x 114 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © Succession Picasso / VG Bild-Kunst, Bonn 2009, Erworben aus Mitteln der Adolf und Luisa Haeuser-Stiftung, Eigentum der Adolf und Luisa Haeuser-Stiftung.

Francis Bacon (1909-1992), Studie für die Krankenschwester im Film Panzerkreuzer, Potemkin, 1957, Ol auf Leinwand, 198 x 142 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © The Estate of Francis Bacon / VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

die Städel Museum
Schaumainkai 63
+49-69-605098-0
60596 Frankfurt am Main
Konstellationen V
September 6, 2009-March 7, 2010

Im Rahmen der Ausstellungsreihe „Konstellationen“ wird im Städel Museum vom 6. September 2009 bis 7. März 2010 in vier Räumen eine Auswahl von Werken aus dem Sammlungsbereich der Kunst nach 1945 pointiert gegenübergestellt. Vom Kabinett zum Main über den zentralen Kuppelsaal im zweiten Obergeschoss und den ersten Saal des Gartenflügels bis zum sich anschließenden Kabinett im ersten Obergeschoss zieht sich ein durch das ganze Haus laufendes Band der Gegenwartskunst. Die umfängliche, annähernd 40 Werke umfassende Hängung wählt gezielt unterschiedliche Präsentationsformen, um den vielfältigen und facettenreichen Sammlungsbestand aus unterschiedlichen Blickwinkeln zu beleuchten. Die in Jahrzehnten gewachsene Sammlung mit Werken von Pablo Picasso, Francis Bacon oder Alberto Giacometti verbindet sich dabei auf höchstem Niveau mit rezenten Ankäufen, Schenkungen und Dauerleihgaben von Victor Vasarely, Josef Albers, Gerhard Hoehme und anderen, die erst in den letzten Monaten ihren Weg ins Städel gefunden haben.

Die Präsentation nimmt im Kabinett zum Main mit einer für das Bildermuseum Städel untypischen Eröffnung ihren Anfang: Nichts hängt, alles steht. Auf knapp 38 qm versammelt sich ein qualitätvoller sowie im wörtlichen Sinn dichter und raumfüllender Querschnitt durch die Skulpturensammlung des Städel nach 1945. Von Bernhard Schultzes „Migof-Tor“ über A.R. Pencks „Tri Tri“ und Jonathan Meeses „Hagen von Tronje“ bis zu Arbeiten von drei bedeutenden Frankfurter Bildhauern, Hans Mettel, Michael Croissant und Hans Steinberenner, entfaltet sich hier auf engstem Raum ein komplexes Kompendium skulpturaler Ausdrucksformen.

Der sich anschließende Kuppelsaal wird von drei großformatigen Bildwerken beherrscht: Ernst Wilhelm Nays „Rotklang“ und Wolfgang illmans’ „Freischwimmer 54“ antwortet auf der gegenüberliegenden Raumseite Armin Boehms „Ohne Titel (Zhwar Kili)“. Während Nay im klassischen Sinn informelle Bildkonzepte verfolgt, ja eine der zentralen Persönlichkeiten dieser Kunstrichtung im Nachkriegseuropa ist, gehören die beiden anderen Arbeiten definitiv nicht in diesen Kontext. Gleichwohl driften die ungegenständliche Fotografie Tillmans’ und die aus dem schwarzen Bildgrund auftauchende Landschaft Boehms in einen Bereich des Formlosen, der Auflösung des Gegenstandes, der dem klassischen Begriff des Informel verwandt ist. Im sich weitenden Fokus auf die Kunst nach 1945 lösen sich die kleinteiligen Scheidungen in Ismen und Gruppierungen, die sich im Dekadenrhythmus aneinander reihen, langsam auf. Der Blick vom 21. auf das 20. Jahrhundert lässt immer mehr das Verbindende neben dem Trennen-den deutlich werden. Vor allem die Arbeit „Zimbal“ von Gerhard Hoehme macht auf verblüffende Weise deutlich, wie sich einander scheinbar antithetisch gegenüberstehende Kunststile auf intelligente Weise befruchten. Der wuchtige Schaukasten gehört mit seinen verspannten Wäscheleinen ohne Zweifel in das Umfeld der Objektkunst von Zero und Nouveaux Réalistes, Bildaufbau und Gestualität hingegen verweisen definitiv auf die Kunst des Informel, zu deren wichtigen Vertretern der zweiten Generation Hoehme auch zweifellos gehört.

Ein Stockwerk tiefer treten die beiden zuvor getrennten Gattungen in Dialog und zeigen, wie sich die Kunst des 20. Jahrhunderts trotz aller ungegenständlichen Tendenzen auch und gerade nach 1945 immer wieder mit dem Bild des Menschen beschäftigt hat. Der von Gegenstandslosigkeit und Krieg gleicherma-ßen bedrohte deformierte Mensch wird hier zum Gegenstand der ästhetischen Investigation. Malerische wie skulpturale Arbeiten umspielen eines der Kardinalthemen der bildenden Kunst, das Abbild des Menschen, d. h. die Erschaffung eines künstlichen Alter Ego. Über die Weite des Raumes steht der Eintretende zuerst den monumentalen Menschenbildern von Pablo Picasso und Francis Bacon gegenüber, befragt der ausgemergelte Leib Alberto Giacomettis „Grand nu assis“ die drängende Fülle des monumentalen Frauenkopfs („Tête de femme“) Picassos. Die bedrohliche Auflösung der Form schreitet weiter voran, wenn sich Georg Baselitz oder Karel Appel dem in der Malerei sich verlierenden Bild des Menschen widmen.

Der abschließende, vierte Raum bildet den ästhetischen Gegenentwurf zu diesen figürlichen Variationen. Hier gehorcht alles der bildimmanenten Systematik des Formats: Die zentrale „Erfindung“ der Moderne, die geometrische Abstraktion, wird hier im Nebeneinander von Vorkriegs- und Nachkriegsavantgarde vorgeführt. Künstler wie Victor Vasarely, Josef Albers oder Hermann Glöckner machen deutlich, wie sehr die erste und die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts einander trotz des zweiten Weltkriegs als auch ästhetisch epochaler Zeitenwende bedingen. Sie haben ihre Wurzeln in der klassischen Moderne und beeinflussen wesentlich die Kunst diesseits und jenseits des Atlantiks in den unübersichtlichen Zeiten der Neo-Avantgarde, der Kunst des Abstrakten Expressionismus, der Minimal Art und ihrer Folgen. Die letzte Ausstellung der „Konstellationen“-Reihe im Städel Museum zeigt in Vorwegnahme der Neueinrichtung der Sammlung im Erweiterungsbau, in welche Richtung sich die Sammlung entwickeln wird. Es wird deutlich, dass im Kontext der 700 Jahre umfassenden Sammlung des Städel Museums auch die Kunst nach 1945 in größeren Zusammenhängen dargestellt werden muss und eben gerade auch dargestellt werden kann. Die Kleinteiligkeit der Ismen und Stile, Gruppierungen und Solitäre des Jahrhunderts der Moderne wird mit der wachsenden kunsthistorischen Distanz auf ihre zentralen Entwicklungslinien und ihre epochalen Grundlegungen befragt.

Kurator: Dr. Martin Engler, Leiter Kunst nach 1945
Wissenschaftliche Mitarbeit: Tanja Zocher.

Jonathan Meese (*1971), Hagen von Tronje, 2007, Bronze, 63,5 x 58 x 37,50 cm, Eigentum Städelscher Museums-Verein e.V., Foto: Jochen Littkemann, © Jonathan Meese, Courtesy Contemporary Fine Arts / VG, Bild-Kunst, Bonn 2009, Erworben aus Mitteln des Städelkomitee 21. Jahrhundert.

Georg Baselitz (*1938), Kopf, 1963, Ol auf Leinwand, 100 x 64 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © Georg Baselitz.

Gerhard Richter (*1932), Großer Vorhang, 1967, Oll auf Leinwand, 200 x 280 cm, Städel Museum, Frankfurt am Main, © Gerhard Richter, 2009.